Lacuna Coil - Dark Adrenaline Tour - Rio de Janeiro

Depois de uma fantástica estreia em palcos brasileiros quando da divulgação do álbum Shallow Life, em 2010, e a comemoração dos 20 anos da produtora Liberation no ano passado, a banda italiana, Lacuna Coil, estava devendo uma visita com uma programação mais estendida, visto que nas duas primeiras visitas a banda só passara pela cidade de São Paulo. Dessa vez, a Liberation alocou, sabiamente, três apresentações em território brasileiro – Rio de Janeiro (01/03); São Paulo (02/03) e Porto Alegre (03/03) -, garantindo a alegria do público que ansiava pela apresentação dos italianos. 

A noite chuvosa na capital carioca começou com os acordes da banda, Painside, que defendeu bem seu heavy metal tradicional que vez ou outra flerta com sotaque thrash. A banda tem todo potencial para se firmar como um nome forte na cena metálica nacional, mas para tal se faz necessário aparar algumas arestas e trazer à banda uma postura mais profissional em sua apresentação, evitando a desarmonia aonde alguns integrantes falam em demasia entre as canções e ao mesmo tempo. Todavia, há potencial e vislumbra grande oportunidade de dar passos largos na carreira.

Já passava das 23h30min quando o ‘headliner’ da noite deu o ar da graça e marcaria, em grande estilo, sua estreia em território fluminense. Sob o peculiar peso de “I Don’t Believe in Tomorrow” já se denotava que a noite seria pautada pela pujança das canções; carisma dos músicos e por um público ávido à obra dos italianos. Com clima nas alturas, “I Won’t Tell You” e “Kill the Light” vieram atear ainda mais fogo à pista do Circo Voador e alardear que a carreira da banda é, sim, alicerçada e sobreposta por uma discografia vigorosa, rechaçando equivocadas ideias aonde se apregoa, erroneamente, superficialidade em suas obras.

Com a simpatia que lhe é característica, o vocalista Andrea Ferro – completa a banda Cristina Scabbia (vocal); Cristiano ‘Pizza’ Migliore (guitarra); Marco Emanuele Biazzi (guitarra); Ryan Blake Folden (bateria) e Marco Coti Zelati (baixo) – fez as honras da casa e anunciou “Self Deception”, a primeira representante do álbum, Comalies, que marcou o passaporte e garantiu visto de permanência da banda em território norte americano. E é impossível não associar a palavra simpatia à pessoa da vocalista Cristina Scabbia, que se porta como uma verdadeira ‘frontwoman’, relegando ao limbo a vaidade e afetações que tanto permeiam o universo artístico. Perdoem-me os mais ortodoxos, mas faz valer a criação de uma caricata justaposição: uma pequena grande artista.

Assim como a já citada “Self Deception”, “Heaven’s a Lie” e “Swamped” trazem à tona o reconhecido e aprovado álbum de 2002, o que afiançou alguns dos maiores momentos da noite. “Fragile” e “To The Edge” rememoram o disco Karmacode, bem como “Senzafine” o álbum Unleashed Memories. 

De certo não era uma surpresa, uma vez que fora noticiado aos quatro ventos a apresentação do set acústico na perna latino-americana da turnê, sendo assim, quem nunca se afeiçoou ao formato pôde sair para comprar uma gelada e ou respirar ar puro fora da tenda do Circo, mas àqueles que não arredaram o pé da pista foram presenteados com o momento mais intimista da noite, extasiando-se com interpretações de canções do teor de “Falling Again”; “Closer” e Within Me.

No terceiro ato da noite, e de volta ao formato elétrico, a dobradinha “Our Truth” e “Upsidedown” retomam o peso e, lógico, a ambiência perfeita para um show de heavy metal. Ainda que a banda tivesse um tanto cansada, visto que fora direto do aeroporto para casa de show se apresentar e por conta de sua apertada agenda, não fora motivo para transparecer, perder o pique da apresentação ou mesmo fazer corpo mole, o que pôde ser constatado em “Survive” e “Trip of Darkness”. 

  

“Intoxicated” trouxe à mesa ácida crítica às pessoas que têm o péssimo habito sobrepujar o próximo a qualquer preço. Fato não raro nos dias de hoje, infelizmente. Visivelmente emocionada e satisfeita com o feedback do público, a senhorita Scabbia pede a participação de todos na última canção da noite, e o ‘gran finale’ é sob as melodias e versos de “Spellbound”. 

“Estávamos no camarim nos trocando para ir embora e ouvimos vocês nos gritando”, exclama Cristina. E não precisava ser nenhum gênio para deduzir o desejo dos fãs, afinal, o público já tinha amargado tempo demais na sala de espera para conferir o show dos italianos. Com isso, a canção, “My Spirit”, veio com a responsabilidade de colocar o ponto final na noite e homenagear o baixista/vocalista, Peter Steele (Type o Negative). 

As escorregadelas do dia ficaram por conta da ausência do baixista, Marco Coti Zelati. E por questões pessoais o baterista, Cristiano Mozzati, não está participando dessa perna da turnê, sendo substituído pelo citado Ryan Blake Folden (ex- The Agony Scene). Todavia, a estreia em território fluminense não poderia ser em melhor forma, e como promessa feita tem que ser cumprida, então, não demorará muito para um retorno aos palcos cariocas, visto que a bela vocalista jurou de pé junto que voltará muito em breve.

Marillion: A medida certa entre o Progressivo e o Pop

A banda britânica Marillion é o que podemos chamar de feliz em sua longa e prolífica carreira, afinal, sua longevidade se deu pelas produções dentro do estúdio; qualidade de suas apresentações ao vivo, expondo da melhor forma possível o resultado alcançado nos estúdios de gravação e uma pela relação íntima, honesta e direta com a base de fãs. Nessas linhas pode parecer algo fácil e simples de se atingir, mas na hora do vamos ver, ou melhor, na hora do vamos fazer são poucos que atingem o nível de excelência desses britânicos. 

E esse nível de excelência os brasileiros tiveram a oportunidade de prestigiar, e porque não, estreitar as relações com a banda nos anos de 1990, 1992 e 1997, com as turnês dos álbuns Seasons End, Holidays in Eden e This Strange Engine, respectivamente. Depois disso, foram exatos quinze anos de espera para que os músicos voltassem a dar as caras nos palcos brasileiros. E parece que orações do público funcionaram muito bem, porque a banda trouxe ao país o melhor do rock progressivo com datas em São Paulo (11), Rio de Janeiro (13) e Porto Alegre (14). E nós, lógico, fomos conferir a passagem da banda pela cidade maravilhosa. 

A apresentação no Vivo Rio começou em alta com “Splintering Heart”, que é umas das melhores canções da segunda encarnação da banda, aonde os vocais são conduzidos pelo ótimo frontman Steve Hogarth. “Slainte Mhath” flerta com peso pulsante e momentos de, digamos, calmaria, sendo mais do que bem recebida pelo público. Com muita educação e boas doses de humor, o vocalista da às boas vindas a todos e se retrata por estar a tanto tempo longe dos palcos cariocas. O pedido de desculpas foi desnecessário, afinal, ele veio na forma de canções do quilate de “You’re Gone”.

A apresentação dos britânicos foi algo muito parecido como um best of, pois, foram uma sucessão de novos e antigos clássicos da banda. O público mais saudosista que nutre certa preferência pelo primeiro vocalista, Fish, se deslumbrou com os acordes de “Kayleigh” e Lavender – ambas do álbum Misplaced Childhood. Outros que são adeptos a atual formação se extasiaram com “Beautiful”, “The Great Escape” e “Afraid of Sunlight. 

E não pense que a banda fica revirando o passado para fazer o presente, porque o novo registro de estúdio, “Sounds That Can’t Be Made” foi muito bem aceito na encarnação da música homônima ao disco e “Power”. O álbum mais representado da noite foi o conceitual Marbles, pois, dele veio a já citada “You’re Gone”, “Fantastic Place”, “Neverland” e “The Invisible Man”. 

Para o bis, a banda atacou com uma das mais pedidas da noite, “Easter”. Incrível o poder que uma canção pode exercer sobre uma platéia, porque a música foi acompanhada pelo público em cada melodia e verso. “Sugar Mice” fecha com chave de ouro a noite que ficará marcada nos corações de todos os presentes, afinal, era no palco um dos maiores representantes do rock progressivo. Espero que não precisemos esperar mais quinze anos para ter uma noite mágica como essa do último dia 13. 

Epica: Mais pesado e preocupado com a mensagem

Durante a mais recente passagem da banda Epica pelo Brasil no final do mês de setembro – com shows em São Paulo, Porto Alegre e Rio de Janeiro – o guitarrista Isaac Delahaye, na formação desde 2009, nos recebeu para uma conversa.

O músico falou sobre o disco “Requiem for the Indifferent” estar mais pesado que os anteriores e refletiu sobre sua mensagem de se importar com as coisas que acontecem ao seu redor e ser você mesmo: “nós quisemos apontar que você precisa ser você mesmo, não deixando as outras pessoas o manipularem”, disse o guitarrista.

Delahaye falou ainda sobre a música que a banda gravou com um fã com deficiência mental, e também contou sobre a turnê “Retrospect”, que irá comemorar em 2013 os 10 anos da banda. Confira abaixo:

Olá, é muito bacana falar com você e obrigado por nos receber. Vocês acabaram de lançar o álbum, “Requiem for the Indifferent”, como tem sido a resposta ao disco até agora?

Isaac Delahaye: Ótima! Nós fizemos a parte européia de shows com os festivais de verão, agora estamos excursionando pela América Latina e, posteriormente, iremos para América do Norte e Reino Unido. Tem sido uma agenda apertada, mas em todos os lugares temos tido um maravilhoso ‘feedback’ do novo álbum. E o disco é ligeiramente diferente do que vínhamos fazendo até agora. Sem dúvida é algo revigorante tanto para nós quanto para os fãs.

Conte-nos um pouquinho sobre o conceito do álbum e diga no que “Requiem for the Indifferent” se distingue dos outros discos?

ID: O título se refere às pessoas que ainda não se importam com tudo que tem acontecido em nossa volta. A bolha financeira que explodiu; as pessoas no oriente que se cansaram de seus ditadores; os tantos desastres naturais, indicando que devemos nos voltar um pouco mais à natureza. Algumas pessoas simplesmente não se importam e ignoram fatos como esses. O que é uma pena e faz com que alguns mal intencionados consigam mais e mais poder. Se você não gosta de determinada coisa, então, pare de reclamar e faça alguma coisa para mudar o panorama. Essa é mensagem que queremos trazer.

Musicalmente, esse disco é um pouco mais obscuro do que o anterior, todavia, contém os típicos elementos que formam a música do Epica. Dessa vez nos concentramos mais nos vocais e construímos todos os detalhes do disco em volta dele, ao invés de adicioná-los depois de toda música ser escrita, o que deu ao álbum um aspecto bem cativante.

A banda investe uma atenção especial no teor das letras, tratando questões como religião, diferentes culturas e desastres naturais. O quão importante é para vocês escreverem canções com temas tão melindrosos?

ID: Bem, é óbvio que nós não tratamos temas do tipo abelhinhas e melzinho. Nós tentamos fazer a diferença com as letras, queremos fazer as pessoas pensarem sobre determinadas coisas. Como eu disse antes: muitas pessoas imaginam que nada está rolando e ignoram certos problemas. E tem mais: essas temáticas combinam com a música que é muito bombástica e podem carregar uma grande mensagem.

Desde “Design your Universe”, quando você e Ariën Weesenbeek se juntaram à banda e ambos vindos do God Dethroned que tem inclinação ao death metal, a música do Epica está mais pesada e abriu mais possibilidades e influência à banda. Como e no que vocês contribuíram nesse sentido?

ID: Eu creio que tudo é uma questão de explorar todos os lados do metal. Comigo e Ariën os horizontes estão um pouco mais amplos, e a banda está variando um pouco mais.

Pessoalmente, eu também escrevo materiais mais técnicos do que o guitarrista anterior, porque eu adoro riffs com pegada thrash. Antes as partes de guitarra eram criadas no sentido mais rítmico, dando suporte às orquestrações. Agora nos aventuramos mais, damos mais a cara a bater.

“Storm the Sorrow” é o primeiro ‘single’ e videoclipe de “Requiem for the Indifferent”. Mais uma vez as letras se destacam e minha interpretação foi que precisamos acreditar em nós mesmo, haja o que houver. E tanto o fracasso quanto o sucesso está bem diante de nós, cabe a nós escolher qual caminho seguir. Você poderia compartilhar conosco seu ponto de vista?

ID: É sobre crítica vinda das pessoas ao nosso redor, mas também de nós mesmos. As pessoas parecem esperar muito das outras, e tendemos adicionar a isso todas as expectativas dos outros. É assim que funciona e o problema reside no fato das pessoas irem muito além com isso. Hoje em dia muita gente senta atrás do computador e sai culpando tudo e todos, e o pior, acha isso super normal. Então, basicamente, nós quisemos apontar que você precisa ser você mesmo, não deixando as outras pessoas o manipularem. Se você quer algo e suas intenções são boas, então, tudo vai funcionar bem.

Mais uma vez Sascha Paeth produziu um disco do Epica e essa parceria já vem de muitos anos. O que ele traz de tão especial à música do Epica?

ID: Ele sabe, perfeitamente, o que a banda representa e está procurando. E, lógico, ele é grande produtor. Depois de todo período de composição e pré-produção é muito refrescante deixá-lo escutar as músicas. Como ele não as escutou antes, ele pode ouvi-las com a mente aberta, e mais, ele sempre vem com ótimas ideias para melhorar o som. Por outro lado, ele também nos dá total liberdade para fazer o que queremos, enquanto que outros produtores tentam mudar o som da banda.

Recentemente Yves Huts deixou a banda sendo substituído por Rob van der Loo. Eu suponho que tenha sido difícil ver um membro original ir embora, não é mesmo? E como chegaram ao Rob?

ID: Nunca é legal ver um amigo partir, mas respeitamos as decisões das pessoas. Muitos de nós tocamos com Rob, no Mayan. Então, foi óbvia a decisão de pedi-lo a substituir Yves. Rob é um músico muito talentoso e é também um cara muito bacana, o que é importantíssimo se você excursiona tanto como nós. Ele é muito profissional e a transição foi muito tranquila.

No dia 23 de março de 2013 Epica vai celebrar o décimo aniversário com um show especial intitulado, “Retrospect”. Você poderia nos dizer um pouco mais sobre o que se trata essa apresentação?

ID: Nós sentimos que era a hora de fazer algo especial. E o que é melhor que tocar nossas músicas com uma orquestra e um coral? Será um grande empreendimento, tanto que nós faremos tudo por nossa conta, sendo nada vinculado a promotor ou uma empresa. 100% Epica. É o supra-sumo de nossa carreira.

O show em si será um resumo de nossos álbuns, nós estamos trabalhando em todos os detalhes de modo a fazer dessa apresentação algo histórico. Nós todos estamos realmente animados com isso. E já existem pessoas de 20 países diferentes para assistir o show, e, com certeza, ficaremos felizes de ver alguns brasileiros lá!

Ruurd Woltring é um menino que tinha o sonho de gravar uma música com vocês, e, felizmente, esse sonho se realizou. A banda rearranjou e gravou a música de Ruurd. Como foi essa experiência para vocês? E como ela mudou o ponto de vista de vocês em relação às pessoas com certa incapacidade mental?

ID: Nós recebemos muitos pedidos para colaborar, mas, infelizmente, não podemos atender a todos. Porém, esse caso em particular se destacou do resto, porque a história de vida de Ruurd é muito legal. Ele escreve música com tanta paixão, do coração. Com isso, nós quisemos tornar o sonho dele em realidade.

O que a maioria das pessoas tende a esquecer é que pessoas com alguma incapacidade mental geralmente têm certos talentos que vão além das pessoas ditas normais. Ruur tem o ouvido muito bom e sabe, exatamente, o que quer musicalmente.

O Epica tem cinco discos de estúdio lançados; já tocou com uma grande orquestra; lançou trilha sonora do filme “Joyride”; tem ‘songbook’ dedicado à banda e tem fãs em todo mundo. O que falta o Epica alcançar?

ID: O mais importante para nós é continuar a escrever boas canções. Essa é a base para toda banda. Sem isso nós sequer nos atrevemos a pensar em outros objetivos.

Por outro lado, nós queremos sempre expandir nossos limites. O show “Restrospect” é uma dessas coisas. E agora é primeira vez que trabalhamos com um empresário, a fim de ver o quão longe as coisas podem ir. Existem muitas coisas que podem ser feitas e só queremos manter tudo interessante para nós e fãs.

Toda turnê vocês vêem ao Brasil e América do Sul. O que esse público representa para vocês?

ID: Seu continente sempre apoiou o Epica. Nós adoramos voltar para ao Brasil e América do Sul. É sempre bom ir para o palco e escutar o entusiasmo da galera daí. Realmente irresistível!

Quais os planos para o futuro?

ID: Depois dessa turnê, nós temos alguns shows em clubes pela Europa e depois iremos para América do Norte. Mais para o final do ano teremos shows na França e Reino Unido. No começo do ano que vem, nós estaremos ocupados com a “Retrospect”. Depois iremos para Austrália, Ásia e faremos os festivais de verão europeus. Nós nunca paramos! Enquanto isso, eu e Mark escreveremos as novas músicas, e esperamos ter um álbum novo no final de 2013 ou começo de 2014.

Obrigado pela entrevista, por favor, deixa uma mensagem para seus fãs.

ID: O prazer foi todo meu! Eu acabei de chegar ao Brasil, estou ansioso para vê-los o quanto antes. Rock on!

Nightwish: Imaginaerum Tour - Rio de Janeiro

O provérbio popular: há males que vem para o bem, recai fácil, fácil na vida do cidadão comum, onde uma suposta dificuldade e ou problema, a curto prazo, pode desdobrar-se numa grande oportunidade futura. E não pense, caro leitor, que o mundo da música fica imune a tal máxima, afinal, não faltam exemplos onde a afirmação acima ganhou vida e, lógico, um final mais que feliz. 

O mais recente, e talvez mais comentado, caso no mundo do rock fora a abrupta saída – ou demissão – da vocalista, Anette Olzon, da banda Nightwish, deixando pipocar inúmeras interrogações na cabeça dos fãs. E o que tinha todos os trejeitos e sintomas de uma tragédia grega acabou saindo melhor que encomenda, porque a atitude de trazer a cantora, Floor Jansen (ex- After Forever, Revamp), para cumprir as datas restantes da turnê, revelou-se como a mais sensata e razoável diante de todo o imbróglio.  

O show na capital fluminense, na última segunda-feira (10), rechaçou as previsões mais pessimistas e provou que o público carioca ainda nutre apreço especial pela música dos finlandeses. Com casa cheia e um calor que beirava o fim dos tempos, a banda debutou com “Storytime”, que de cara revelou a pujança do vocal e interpretação da nova vocalista. Sem meias palavras o baixista/vocalista, Marco Hietala, reforçou o quase óbvio: Floor Jansen é a nova frontwoman da banda, o que gerou grande contentamento por parte do público. 

“Dark Chest of Wonders” e “Wish I Had an Angel” rememoraram o apogeu da carreira dos finlandeses, onde gozavam de grande popularidade alicerçada pelo interessante álbum, Once.“Amaranth” manteve o clima de festa instaurado pelos cariocas, o que garantiu largos sorrisos por parte dos músicos. Como o título denuncia, a canção “Scaretale” trouxe contornos soturnos digno ao circo dos freaks e relembra os melhores contos de terror. 

“I Want My Tears Back”, “The Crow, The Owl and  The Dove” e “Lost of the Wilds”  trouxeram o convidado especial, Troy Donockley, tocando gaita irlandesa. E por mais que o instrumento seja bacana e Troy seja um bom instrumentista fora uma participação que pouco agregou ao saldo do show. “Nemo” traz à mesa, mais uma vez, o disco Once, provando que se no futuro quiserem dormir sobre os louros terão que suar, e muito, a camisa.

“Wishmaster” e “Ever Dream” sempre serão sinônimos de euforia pelos entusiastas à banda. “Over The Hills and Far Away” tem boas intenções, mas pouco anima. O ponto alto do show veio com a canção “Ghost Love Score”, onde o poder de interpretação da nova vocalista foi aprovado com louvor. “Song of Myself” é longa e complexa e poderia ceder lugar a duas canções com maior apelo diante do público. “Last Ride Of The Day” não é uma canção execrável, mas passa longe de ter os predicados necessários para encerrar o show em grande estilo. 

Como fora dito: há males que vem para o bem. E, com certeza, todo esse imbróglio que envolveu o nome Nightwish nos últimos meses teve um – suposto – final feliz, o que fora mais do que comprovado na apresentação da última segunda-feira. Se as intempéries passadas terão cenas dos próximos capítulos só o líder Tuomas Holopainen pode dizer, mas se ele mexer nesse time é porque tem probleminhas na cabeça.

Kiss: Monster Tour 2012 - Rio de Janeiro

Em meados dos anos 1970, quando o movimento rock n’ roll passava por um dos seus melhores momentos – senão o melhor e significativo – era fácil ver grupos de amigos empunhando instrumentos a fim de respirar toda aquela mística e criativa áurea que pairava no ar. Dali surgiram formações seminais para história da música contemporânea, que, sem a menor gota de dúvida, serão objetos de apreciação, e porque não, objetos de estudos de gerações futuras. 

Nesse baú de preciosidades infinitas da década 70, o nome Kiss veio ser a combustão perfeita para uma juventude ávida por heróis que fugissem a cartilha do politicamente correto e que pudessem, a todo custo, transformar a vida dos mais conservadores o pior pesadelo jamais visto. Com composições simples e de grande carga emotiva, adicionando à receita uma das mais geniais sacadas do mundo da música: o apelo visual com as mascaras, o Kiss tomou de assalto a posição de maior espetáculo de rock do planeta, o que se perdura até os dias de hoje.

Perto de completar 40 aninhos de bons serviços prestados à música, a instituição Kiss esbanja vigor e competência que sempre lhe fora peculiar. Isso se aplica tanto às apresentações ao vivo quanto aos recentes registros de estúdio. E o melhor lugar para ver todo o poderio sonoro e cênico dos americanos é em seu habitat natural, o palco. Com três datas no país – Porto Alegre (14); São Paulo (17) e Rio de Janeiro (18) – o Kiss mostrou, mais uma vez aos brasileiros, o porquê de ser a banda mais quente do mundo. 

A festa na capital fluminense começou com os trabalhos da banda paulista, Viper, que vem rememorando de uma maneira muito feliz os dois primeiros discos de estúdio, Soldiers of Sunrise (1987) e Theatre of Fate (1989), lançados nos idos dos anos 1980. Canções como “To Live Again”, “Living for the Night” e “Rebel Maniac” sempre serão festejadas pelos entusiastas do bom rock n’ roll. Uma pena que essa reunião esteja com data marcada para acabar, porque, ao contrário de algumas outras tantas desastrosas, essa renderia um bom caldo no estúdio. 

A expectativa que gira em torno das apresentações dos mascarados é algo incomum no mundo da música, afinal, são poucos os nomes com semelhante credencial. Desta feita não fora diferente, o público carioca só conseguiu esvair de tal emoção sob os acordes da emblemática, “Detroit Rock City”. “Shout It Out Loud” não deixa por menos e só retifica que pelas próximas horas a capital mundial do rock é, sim, a cidade do Rio de Janeiro.

Antes de anunciar a próxima canção, o vocalista/guitarrista Paul Stanley agradece a presença do público e promete uma noite mais do que especial a todos. Promessa feita e cumprida, diga-se. “Calling Dr. Love” é cafajeste e debochada no sentido mais malicioso que você, leitor, consiga imaginar. Fazendo os pseudo-críticos morderem a língua e tomarem doses cavalares de seus próprios venenos, a banda prova fácil, fácil que o presente faz, sim, frente ao seu passado brilhante, vide as canções do novo álbum, Monster, como: “Hell or Hallelujah”; “Wall of Sound” e “Outta This World”.

Nunca foi escondido a sete chaves o fato do primeiro nome do rock a incorporar atividades cênicas nas apresentações ao vivo remeter ao lendário, Alice Cooper. Se a tia Alice inventou tal prática, o Kiss foi o responsável em elevar tudo a patamares inimagináveis, que desde a citada década 70 faz muito marmanjo marejar os olhos como uma criança em dia de visita ao parque de diversões. 

Digno dos melhores circos dos horrores, os mascarados trazem à festa cusparada de fogo, sangue, fogos de artifícios, labaredas, bateria que tem seu praticável suspendido, baixista que é içado às alturas, tirolesa, chuva de papel, telão que projeta imagens ora complementar as canções e ora com símbolos sem nexo algum e, lógico, alguns sutiãs e calcinhas fornecidos prontamente pelas mais atenciosas fãs.

A experiência de quase quatro décadas na estrada gabarita os músicos a construir um repertório bacana que tanto satisfaça banda quanto o fiel exército de fãs. Temas como “God of Thunder”; “I Love It Loud”; “War Machine”; “Love Gun” e “Psycho Circus” garantiram que a temperatura na Arena HSBC ficasse perto do estado de ebulição. Os fãs que já estão maturados pelos anos de rock n’ roll se deliciaram com o adendo de “Won’t Get Fooled Again” (The Who) na canção “Lick It Up”, assim como os primeiros dedilhados de “Stairway to Heaven” (Led Zeppelin) em “Black Diamond”. 

O final apoteótico ficou na responsabilidade da clássica, “Rock n’ Roll All Nite”, que teve a recepção mais calorosa da noite, afinal, emanava dos PA’s o maior hino do rock n’ roll de todos os tempos. Os antigos já alertavam para ir com pouca sede ao pote, porque tudo que é bom tende a durar pouco. Batata! Como num piscar de olhos, a apresentação dos mascarados chega ao fim sob incessantes e efusivos aplausos, mas com a certeza de ter entregado aos cariocas um dos maiores espetáculos de rock do planeta.